"La musica teatrale" de Kormorany

Este año que se está yendo nos ha dejado, a pesar de no ser muchas, algunas experiencias sonoras interesantes. De todas ellas, quizá la más extraña, fascinante y, sobre todo, extensa ha sido la que nos ha deparado el oscuro grupo polaco Kormorany con su disco La musica teatrale.

Poco sabemos de este grupo que consta al menos de 8 miembros con nombres un tanto difíciles de recordar para alguien que no esté acostumbrado a la lengua eslava: Paweł Czepułkowski, Jacek Fedorowicz, Piotr Jankowski, Krzyś Koń Konieczny, Artur Gaja Krawczyk, Michał Litfa Litwiniec, Natasza Sierocka, Tomasz Filip Filipiuk y Darek Maj. En el pasado publicaron Teraz (2000) y Miasto (2007) y, al parecer, no se parecen mucho a La Musica Teatrale. Y es que se trata de un disco muy peculiar, abiertamente experimental, que hace uso del avant-prog, drone, dark ambient y spoken word a través de canciones que discurren como cataratas interminables a lo largo de casi 5 horas.

A pesar de la extensión del disco, los polacos logran mantener regularidad canción tras canción, un gran mérito si tomamos en cuenta que lo desmesurado generalmente está divorciado con la calidad (basta con escuchar el mamotreto de Calamaro llamado El Salmón que coincidentemente también consta de 5 discos). Los cinco discos no son hermanos gemelos, ya que cada elepé posee una estética ligeramente distinta del otro, otorgándole cierta heterogeneidad a la obra en su conjunto.

Esta obra inclasificable y monumental es uno de los grandes discos del año. Traten de darle un tiempo a La musica teatrale, ya que serán las 5 horas mejor invertidas en su vida. A continuación les dejo los links donde podrán descargar este disco, debido a la gran dificultad de encontrarlo.

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Caeiro

"Flaming Criatures" de Jack Smith

A continuación les dejamos esta obra única del séptimo arte, una película emblemática del cine underground y, sin duda, una de las más extravagantes que se hayan hecho jamás. Esta cinta fue elogiada en su momento nada menos que por Susan Sontag, así que no duden en disfrutar, si tienen la mente abierta, de este notable film.

Disculpen por el maltrato al formato de mi blog, sé que se ve pésimo pero la pantalla es demasiado ancha y es conveniente dejarlo así para que se aprecie mejor el film. Perdón por este desliz, no volverá a suceder en la medida de lo posible. Flaming Criatures merece este tipo de licencias.

Caeiro

El sonido del desgarro: Agalloch

Una de las mejores bandas del momento es sin duda esta banda proveniente de Portland, Estados Unidos. Conformada por John Haughm, Don Anderson y Jason William Walton, el grupo ha practicado desde sus inicios, en el año 1995, una suerte de black metal hibrido con folk y con ciertos tintes progres que lo ha ido acercando al post-rock. Pero desde su primer LP, esta banda ha demostrado una calidad sorprendente.

Tras publicar unos ep's, en 1999 edita Pale Folklore, una muestra notable de fusión de Folk y Black Metal. Pero no pensemos en el metal que los nórdicos practican, con su rudeza, satanismo y tintes medievales, sino en una música que se asienta en cierta sofisticación y reposo, sin que este afecte la voz visceral, desgarrada y doliente de Haughm. Hay desesperación y tristeza ha caudales en este disco, lo que se traduce en pasajes poderosos (sin ser excesivos) con pasajes instrumentales pausados y relajados. A destacar el épico inicio del disco, que está conformado por las tres partes de She Painted Fire Across the Skyline y el magistral cierre The Melancholy Spirit que contiene todo el espíritu desgarrador del disco.

Tras tres años de pausa, agalloch publica el memorable The Mantle, que posee pasajes acústicos y folk más marcado que su predecesor (más cercano al neofolk) sin dejar de lado la rabia de su vocalista y compositor. También posee temas instrumentales con más énfasis en las atmósferas. Y el espíritu progresivo aumenta, aunque esta es más cercana a ese género relativamente reciente llamado post-rock. Nuevamente, Agalloch inicia con gran pie una placa con A Celebration for the Death of Man..., un track instrumental que es proseguido por la majestuosa y extensa In the Shadow of Our Pale Companion, una de las mejores canciones que esta banda ha compuesto. La desolación sigue siendo el espíritu que recorre esta reconocida producción del 2002.

Finalmente, en el 2006 Agalloch nos regala Ashes Against the Grain, que es un disco que revela la natural evolución del sonido de esta banda: un abrazo más notorio al post-rock. Las guitarras acústicas que eran casi omnipresente en el disco anterior deja lugar a la guitarra eléctrica, un poco más pesada, y a los sintetizadores para crear ambientes similares a lo que hacen grupos como Godspedd You! Black Emperor, por ejemplo. La música sigue siendo sensacional, y la temática casi depresiva y melancólica sigue siendo la misma. Limbs (otro notable inicio de placa), Fire Above, Ice Below y las tres partes de Our Fortress Is Burning son los temas más destacables y demuestran que Agalloch es una banda sólida y que evita caer en la irregularidad.

Con tres LP's notables y varios EP's (en el que destaca The White EP), Agalloch se asienta como una de las máximas referencias de la música metal y mira sin temor a sus costados para enriquecer su sonido. Pocas bandas como esta tratan en la actualidad la melancolía y la tristeza sin caer en la autoconmiseración, es más lo hacen con originalidad. Y eso, hoy, la época del facilismo musical es algo que no tiene precio.

Caeiro

Isabelle Huppert

Hoy, sábado 15 de agosto, pude ver en persona a mi actriz favorita: Isabelle Huppert. Y este hecho se debió gracias al Festival de Cine Latinoamericano organizado por la Universidad Católica del Perú. Nunca he sido demasiado complaciente con este certamen que se realiza anualmente desde hace más de una década, ya que la calidad de los filmes que compiten en la sección oficial siempre me pareció, salvo excepciones notables, mediocre. Pero el esfuerzo por traer a una actriz tan notable como la Huppert es quizá uno de sus mayores aciertos en todos estos años.

Francia es uno de los países que más importancia le da a su cine y eso se refleja en la calidad de sus filmes, que a lo largo de los años ha arrojado títulos notables. Es la tierra de Carné, Renoir, Bresson, Godard, Resnais, Rohmer, Dumont y un largo etcétera. Y en esa tradición rica y heterogénea, el nombre de Isabelle Huppert se inscribe con letras mayúsculas: es, sin duda alguna, la imagen femenina del cina galo actual, a pesar de que su carrera cinematográfica se inició hace más de 30 años.

La Huppert es en mi opinión la mejor actriz del momento, superior a algunas divas anglosajonas que gozan de una fama mayor, como Meryl Streep o la recientemente ganadora al Oscar Hellen Mirren. No es que menosprecie a estas actrices, que son notables, pero ciertamente el desenvolvimiento de la Huppert frente a cámaras me parece más cinematográfico. Tanto a Streep como a Mirren las puedo imaginar en el teatro mientras actúan, a la Huppert no, a pesar de que la francesa también hace teatro. Pero además, hay un rasgo notable en la Huppert, y es que hay cierta carga intelectual en sus interpretaciones, la que no la aleja en lo absoluto de su condición plenamente cinematográfica. Se le ha llamado, sin error, como una actriz intelectual, pero esto no se debe a que escoja personajes con capacidades cognoscitivas superior al promedio, sino que hay una comprensión ciertamente intelectual que supera al esquema emocional del personaje, y que se ve reflejado en pantalla. No siempre ha pasado esto, por ejemplo con su personaje de Ella en la gran película de Cimino llamado La Puerta del Cielo, que no se presta a esa construcción "huppertiana", el cual se ha ido construyendo con los pasos de los años.

A pesar de estar muy entrada en sus 5 décadas, la Huppert es una mujer muy atractiva, a pesar de proyectar cierta frialdad y seriedad. Es una mujer muy inteligente, cosa que se puede deducir en su elección de guiones, y de su trabajo con prestigiosos directores, como Chabrol, Pialat, Godard, Haneke y otros. Además es una actriz que no tiene una concepción idealizada de su arte y, en el diálogo con el público que brindó hoy gracias al Festival de Cine de Lima que me permitió conocerla, trato de aterrizarlo en un ámbito más mundano. Para ella, los personajes que interpreta desaparecen una vez concluida la grabación y no queda vestigio de ellos en su vida personal. Esta opinión no fue aceptada por el público que quizá tenía un concepto más romántico de la actuación, por lo que se le hizo la misma pregunta hasta en tres ocasiones esperando que la francesa diga los que el público esperaba. Ella dijo al final: "Je suis très insensible", es decir "Soy muy insensible". Una grande.

Caeiro

La música de William Basinski

En estos años de música frenética, acelerada y potente es sorprendente y encomiable que haya persona que hagan una música opuesta a este patrón de ritmos desenfrenados que, muchas veces, no ofrecen más que eso. Géneros como el ambient, el drone, el doom metal, el drone doom metal, etc., son una apuesta por los tempos lentos y cansinos, que en algunos casos exige la concentración del oyente, a veces, como en el caso del drone, de paciencia. Estos géneros cuentan con un grupo de devotos oyentes que, indudablemente, son escasos.

William Basinski, músico norteamericano nacido en 1958, es uno de los representantes más eximios de este tipo de música lánguida, con temas que sobrepasan la hora de duración. Podemos afirmar que la carrera de este músico (que empezó en 1998 con la publicación del álbum Shortwavemusic) conoce pocos altibajos y que su música es una mezcla de minimalismo, ambient, drone y tape music. Entre sus influencias podemos nombrar a La Monte Young, Steve Reich y los trabajos más exigentes de Brian Eno.

De formación clásica, Basinski apuesta por la reiteración, es decir por la repetición constante de armonías que están construidas en bases sonoras mínimas. A demás, la baja calidad de definición sonora de sus trabajos aporta una atmósfera ligeramente inquietante y perturbadora, le da cierta aspereza a música que sonaría completamente sosegada y relajada.


Basinski es prolífico y en sus once años ha editado 16 discos. La obra de Basinski (que también es artista y ha realizado algunas performances) tiene como obra máxima la saga llamada The Disintegration Loops, que consta de cuatro partes, publicada cada una de ellas en un disco entre el lapso de los años 2001 y 2003. También son destacables los discos Melancholia (2005) o las dos partes de Watermusic (el primero publicado en el año 2000, el segundo en 2004). Pero no es posible ignorar ningún trabajo de su discografía, por lo que es recomendable escuchar cualquier disco de su autoría, más aún si se desconoce su obra, ya que cualquier trabajo suyo es una radiografía cabal y rotunda del tipo de música que hace.

La música de Basinski nos invita a la concentración, al reposo y la paciencia, estados que estos años acelerados han sido casi desterrados de nuestras vidas. Hay que escuchar a Basinski y sentirnos sabios mientras dure su música.

Caeiro



Discografía

1998: Shortwavemusic

2000 Watermusic

2001 The Disintegration Loops

2002 The River

2003 A Red Store in Tile

2003 The Disintegration Loops II

2003 The Disintegration Loops III

2003 The Disintegration Loops IV

2004 Watermusic II

2004 Variations: A Movement in Chrome Primitive

2004 Silent Night

2005 Melancholia

2005 The Garden of Brokennes

2006 Variations for Piano and Tape

2007 El Camino Real

2009 92982

La Nueva Caverna

Podemos afirmar, que hoy vivimos un mundo que privilegia la reproducción que la realidad misma. Es un fenómeno que, al igual que el de la posmodernidad, es alentado y propiciado por los medios de comunicación masivo. Y no por medio de una oscura y malévola conspiración empresarial para que sus negocios rindan mayores beneficios económicos; se trata en realidad de una consecuencia casi inevitable. Como dijo Vattimo, los mass media fragmentaron la realidad al transmitir un sinnúmero de discursos, las cuales a su vez adquirieron cierta legitimación al aparecer en ellos. Esto propicio el fenómeno posmoderno y dio la estocada final a los grandes discursos de antaño y el proyecto único de historia.

Podemos decir algo similar con la adoración que millones de personas profesan a la imagen, que es una reproducción muy fiel y mimética de la realidad. En nuestros tiempos, ser reproducido a través de la imagen proporciona mayor realidad, que es lo opuesto a lo que proponía Platón que decía que la idea está por encima de todo, que es esta la que tiene mayor verdad, por encima del mundo fenoménico y de su respectiva copia. Si partimos de esta premisa, podemos explicar el ansia de mucha gente de aparecer en televisión, ya sea en programas concursos, realitys, entre otros, cada vez sin menos exigencias. El público común, sin aptitudes para la música, actuación u otros era vetado en antaño. Hoy aparece sin ningún problema, muchas veces exhibiendo sin pudor su ignorancia o miserias. Como dice un dicho reciente, No importa que hablen mal o bien de mí, lo que importa es que hablen. En Sunset Boulevard, el personaje interpretado por Gloria Swanson

vive obsesionada con su imagen en la pantalla grande.

Solo la reproducción o imagen de la persona puede ser admirada por las masas ya que esta puede estar en varios lugares al mismo tiempo, esta puede manipularse y conservarse. Esto permite que la popularidad crezca rápidamente. ¿En cuantos días la inglesa Susan Boyle se hizo famosa a nivel mundial? Preguntémonos el tiempo que tomaron en ser conocidos mundialmente figuras públicas de comienzos del siglo XX, cuando los medios de comunicación masiva estaban formándose. Para bien o para mal, la televisión, el cine, la Internet, los periódicos, entre otros, nos crean imágenes dispuestas a ser adoradas por el gran público. Eso no estaría mal si es que le damos a este fenómeno un lugar secundario en nuestras vidas. Nuestro cerebro y espíritu requieren de ideas para poder sentir con plenitud la existencia humana. No debemos vivir adormecidos como esclavos en un caverna viviendo de sombras, así sea esta la esbelta figura de una actriz díscola.

Caeiro

"Meshes of the afternoon" de Maya Deren y Alexander Hammid

Este cortometraje realizado por el lejano 1943, es una de las piedras angulares del cine experimental de todos los tiempos. Y sin duda, la obra fundamental de esta corriente en Norteamérica. Maya Deren, ucraniana de nacimiento, adoptó la nacionalidad norteamericana y en este país fue que realizó su obra, la cual se hizo al margen de la gran industria de Hollywood, dado lo arriesgado y novedoso de su cine. Los futuros realizadores experimentales norteamericanos, han tenido como guía la obra de esta mujer que es considerada también como la primera realizadora independiente y underground.

Meshes of afternoon se caracteriza por romper la continuidad espacio-temporal y las leyes de causalidad para representar, sin mediación de la razón, los vericuetos de la mente humana, condicionado por las pulsiones sexuales. En síntesis, se trata de un filme surrealista, una poética de las ideas psicoanalíticas. No olvidemos que la obra se centra fundamentalmente en la experiencia femenina, por lo que se suele olvidar al otro realizador del cortometraje, Alexander Hammid, esposo de Maya Deren y que fue el que le enseñó las técnicas cinematográficas a su esposa, que ya estaba vinculada al ballet, la literatura, la antropología entre otras materias. Luego codirigiría con ella The Private life of a Cat y se dedicaría a su propia obra que incluye documentales, cortos y largometrajes los cuales están un poco eclipsados por la obra de su esposa.

Sin duda, Meshes of afternoon es uno de los hitos del cine mundial, por su gran calidad y vanguardismo. Las imágenes embriagantes creadas por la pareja Deren-Hammid, que juega con los focos, el movimiento sinuoso de la cámara, el efectivo montaje que permite la multiplicación del personaje principal interpretado por la misma Deren y la música oriental que participa en la creación del ritmo interno de las imágenes son un triunfo total y que nos lleva a pensar, que con riesgo, imaginación y talento se pueden hacer obras perdurables, sin la necesidad de ingentes cantidades de dinero. Como ya lo dijo Deren: “hago mis películas con lo que Hollywood gasta en pintalabios.” Sin duda, un camino a seguir para quienes quieren hacer un cine diferente y sin control económico de por medio.

Caeiro