"Kinder des Lichtes" de Wappenbund

Dentro de pocos días se acaba este año que es el último de esta década. Por ese motivo han aparecido recientemente numerosas listas con los mejores discos de la presente década. Es imposible que estas listas incluyan, por motivos de espacio o desconocimiento, todos los discos excepcionales de ese periodo. Por eso no nos sorprende que se haya ignorado Kinder des Lichtes, un maravilloso disco que lamentablemente es muy poco conocido.

Wappenbund fue fundado en Alemania por Sven Bussler y Maria Isabell y en su corta vida (1999-2004) practicó el marcial industrial, un subgénero musical que mezcla el industrial con las marchas europeas, en especial las marchas militares (de allí proviene el nombre del subgénero). En la actualidad hay un pequeño movimiento en el país germano de bandas marcial industrial, algunas de ellas cercanas al neofolk. Este no es el caso de Wappenbund que está más emparentado con el dark ambient, lo que le proporciona oscuridad a su música.

El disco consta de seis canciones instrumentales con predominancia del piano. Todas son excepcionales y nos deja una impresión extraña, como lo deja todo arte nuevo. Y es que justamente lo más encomiable de este disco es su originalidad y el ambiente siniestro que, sin llegar a ser opresivo, afecta las sectores más oscuros de nuestra alma. Aunque hay que advertir que este disco, al parecer, está envuleto en cierta polémica ya que algunos acusan que se hace cierta apología al Nacional Socialismo, es decir al nazismo. Nosotros no entendemos el alemán, por lo tanto no podemos verificar si es correcta la información, pero podemos asegurar que si hay la madurez suficiente para separar el mensaje reprobable con la excelencia formal que algunas obras de arte ostenta, no debe haber problemas en apreciar este notable disco, uno de los mejores de la, aún, presente década.

Debido a la dificultad de encontrar este disco, les dejo el link de descarga: http://www.mediafire.com/?mjwdynwwhim

Caeiro

Natural Snow Building: la música incontenible

A diferencia de la década del sesenta o setenta, los músicos de hoy toman alguna pausa para editar sus trabajos. Hoy se puede considerar a una banda como prolífica cuando puntualmente entrega un trabajo cada año o incluso cada dos años. Pero generalmente los músicos se toman un tiempo más prolongado para editar sus trabajos. Otros en cambio, ven en la constancia de sacar discos una forma de acumular dinero, ya que esta se les puede escapar de las manos cuando se es consciente del poco talento, como es el caso de los insoportables Jonas Brothers, que sacan cualquier material posible antes de que el tiempo acabe con su adolescencia y, por ende, terminen en el olvido.

Este no es el caso de Natural Snow Building, banda francesa originaria de Bretaña. Ellos en los últimos 3 años han entregado la nada desdeñable cantidad de 13 discos. Si tenemos en cuenta que son trabajos extensos que rozan los 80 minutos y que algunos de ellos son de formato doble o inclusive quintuple, como es el caso del reciente Daughter of Darkness, pues estamos hablando de una caso muy atípico. Y más aún cuando estos presentan una calidad envidiable.

Natural Snow Building es un dúo formado por los atareados Mehdi Ameziane, Solange Gularte. Su músico es una amalgama entre el drone, la música psicodélica y el avant-folk. Muchas temas son extensos y bordean los 20 y 40 minutos y son en su mayoría instrumentales por lo que su musica es decididamente anticomercial. Su disco más celebrado The Dance of the Moon and the Sun que data del año 2006 es, qué duda cabe, un gran disco. Pero honestamente prefiero ese monumental trabajo de 6 horas que es el mencionado Daughter of Darkness , una de las mejores producciones de este año (coincidentemente otra placa memorable de este año, la comentada La Musica Teatrale consta también de 5 discos). Y si fuera poco, en el colmo del exceso en septiembre de este año publicarón el álbum doble Shadow Kingdom, que es otro soberbio material que le hace competencia en calidad a Daughter of Darkness.

Sin duda, este grupo francés es un referente a tomar en cuenta por los amantes de la música. Espero que nos siga deleitando con mucho más material, porque en ellos, la incontención es una gran virtud.

Caeiro

Discografía

1999 Tracks on the Bloody Show
1999 Witch-Season
2000 Two Sides of horse
2003 Ghost folks
2004 The Winter Ray
2006 The Dance of The Moon and sun
2008 Between the Real and the Shadow
2008 Norns
2008 Sunlit Stone: Moon
2008 Sunlit Stone: Sun
2008: Laurie Bird
2008: Slayer of the King of Hell
2008: Sung to the North
2008: The Wheel of Sharp Daggers
2008: Night Coercion Into the Company of Witches
2009: Daughter of Darkness
2009: Daughter of Darkness V
2009: Shadow Kingdom

"Harpya" de Raoul Servais

El belga Raoul Servais es uno de los mejores animadores que nos dio el cine en su historia. Cuenta en su haber 14 trabajos como realizador en 50 años de carrera. Ha transitado por etapas marcadas, pero casi en todas ellas se transmite una vena experimental que lo aproxima a los animadores checoslovacos (estos cineastas desarrollaron su carrera en la post-guerra), aunque con ciertas diferencias que lo distancian y le da un carácter particular.

El cortometraje que vamos a compartir data del año de 1979 y es el que marca su inicio en la animación con actores de carne y hueso. Es una película extraña, inquietante y, hasta cierto punto, terrorífica. Se trata de una revisión del conocido mito griego de Fineo en el que este sufre el hostigamiento y torturas de unos seres repelentes llamadas Harpías. La cinta tiene cierto toque surrealista y expresionista además que logra crear una de las atmófera más oprimente jamás vistas, cosa que muchas películas de terror, incluido las japonesas, quisieran tener. Basta de palabras y a continuación les dejo esta pequeña joya del cine premiada en su año en el Festival de Cannes.

Caeiro

"La musica teatrale" de Kormorany

Este año que se está yendo nos ha dejado, a pesar de no ser muchas, algunas experiencias sonoras interesantes. De todas ellas, quizá la más extraña, fascinante y, sobre todo, extensa ha sido la que nos ha deparado el oscuro grupo polaco Kormorany con su disco La musica teatrale.

Poco sabemos de este grupo que consta al menos de 8 miembros con nombres un tanto difíciles de recordar para alguien que no esté acostumbrado a la lengua eslava: Paweł Czepułkowski, Jacek Fedorowicz, Piotr Jankowski, Krzyś Koń Konieczny, Artur Gaja Krawczyk, Michał Litfa Litwiniec, Natasza Sierocka, Tomasz Filip Filipiuk y Darek Maj. En el pasado publicaron Teraz (2000) y Miasto (2007) y, al parecer, no se parecen mucho a La Musica Teatrale. Y es que se trata de un disco muy peculiar, abiertamente experimental, que hace uso del avant-prog, drone, dark ambient y spoken word a través de canciones que discurren como cataratas interminables a lo largo de casi 5 horas.

A pesar de la extensión del disco, los polacos logran mantener regularidad canción tras canción, un gran mérito si tomamos en cuenta que lo desmesurado generalmente está divorciado con la calidad (basta con escuchar el mamotreto de Calamaro llamado El Salmón que coincidentemente también consta de 5 discos). Los cinco discos no son hermanos gemelos, ya que cada elepé posee una estética ligeramente distinta del otro, otorgándole cierta heterogeneidad a la obra en su conjunto.

Esta obra inclasificable y monumental es uno de los grandes discos del año. Traten de darle un tiempo a La musica teatrale, ya que serán las 5 horas mejor invertidas en su vida. A continuación les dejo los links donde podrán descargar este disco, debido a la gran dificultad de encontrarlo.

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Caeiro

"Flaming Criatures" de Jack Smith

A continuación les dejamos esta obra única del séptimo arte, una película emblemática del cine underground y, sin duda, una de las más extravagantes que se hayan hecho jamás. Esta cinta fue elogiada en su momento nada menos que por Susan Sontag, así que no duden en disfrutar, si tienen la mente abierta, de este notable film.

Disculpen por el maltrato al formato de mi blog, sé que se ve pésimo pero la pantalla es demasiado ancha y es conveniente dejarlo así para que se aprecie mejor el film. Perdón por este desliz, no volverá a suceder en la medida de lo posible. Flaming Criatures merece este tipo de licencias.

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El sonido del desgarro: Agalloch

Una de las mejores bandas del momento es sin duda esta banda proveniente de Portland, Estados Unidos. Conformada por John Haughm, Don Anderson y Jason William Walton, el grupo ha practicado desde sus inicios, en el año 1995, una suerte de black metal hibrido con folk y con ciertos tintes progres que lo ha ido acercando al post-rock. Pero desde su primer LP, esta banda ha demostrado una calidad sorprendente.

Tras publicar unos ep's, en 1999 edita Pale Folklore, una muestra notable de fusión de Folk y Black Metal. Pero no pensemos en el metal que los nórdicos practican, con su rudeza, satanismo y tintes medievales, sino en una música que se asienta en cierta sofisticación y reposo, sin que este afecte la voz visceral, desgarrada y doliente de Haughm. Hay desesperación y tristeza ha caudales en este disco, lo que se traduce en pasajes poderosos (sin ser excesivos) con pasajes instrumentales pausados y relajados. A destacar el épico inicio del disco, que está conformado por las tres partes de She Painted Fire Across the Skyline y el magistral cierre The Melancholy Spirit que contiene todo el espíritu desgarrador del disco.

Tras tres años de pausa, agalloch publica el memorable The Mantle, que posee pasajes acústicos y folk más marcado que su predecesor (más cercano al neofolk) sin dejar de lado la rabia de su vocalista y compositor. También posee temas instrumentales con más énfasis en las atmósferas. Y el espíritu progresivo aumenta, aunque esta es más cercana a ese género relativamente reciente llamado post-rock. Nuevamente, Agalloch inicia con gran pie una placa con A Celebration for the Death of Man..., un track instrumental que es proseguido por la majestuosa y extensa In the Shadow of Our Pale Companion, una de las mejores canciones que esta banda ha compuesto. La desolación sigue siendo el espíritu que recorre esta reconocida producción del 2002.

Finalmente, en el 2006 Agalloch nos regala Ashes Against the Grain, que es un disco que revela la natural evolución del sonido de esta banda: un abrazo más notorio al post-rock. Las guitarras acústicas que eran casi omnipresente en el disco anterior deja lugar a la guitarra eléctrica, un poco más pesada, y a los sintetizadores para crear ambientes similares a lo que hacen grupos como Godspedd You! Black Emperor, por ejemplo. La música sigue siendo sensacional, y la temática casi depresiva y melancólica sigue siendo la misma. Limbs (otro notable inicio de placa), Fire Above, Ice Below y las tres partes de Our Fortress Is Burning son los temas más destacables y demuestran que Agalloch es una banda sólida y que evita caer en la irregularidad.

Con tres LP's notables y varios EP's (en el que destaca The White EP), Agalloch se asienta como una de las máximas referencias de la música metal y mira sin temor a sus costados para enriquecer su sonido. Pocas bandas como esta tratan en la actualidad la melancolía y la tristeza sin caer en la autoconmiseración, es más lo hacen con originalidad. Y eso, hoy, la época del facilismo musical es algo que no tiene precio.

Caeiro

Isabelle Huppert

Hoy, sábado 15 de agosto, pude ver en persona a mi actriz favorita: Isabelle Huppert. Y este hecho se debió gracias al Festival de Cine Latinoamericano organizado por la Universidad Católica del Perú. Nunca he sido demasiado complaciente con este certamen que se realiza anualmente desde hace más de una década, ya que la calidad de los filmes que compiten en la sección oficial siempre me pareció, salvo excepciones notables, mediocre. Pero el esfuerzo por traer a una actriz tan notable como la Huppert es quizá uno de sus mayores aciertos en todos estos años.

Francia es uno de los países que más importancia le da a su cine y eso se refleja en la calidad de sus filmes, que a lo largo de los años ha arrojado títulos notables. Es la tierra de Carné, Renoir, Bresson, Godard, Resnais, Rohmer, Dumont y un largo etcétera. Y en esa tradición rica y heterogénea, el nombre de Isabelle Huppert se inscribe con letras mayúsculas: es, sin duda alguna, la imagen femenina del cina galo actual, a pesar de que su carrera cinematográfica se inició hace más de 30 años.

La Huppert es en mi opinión la mejor actriz del momento, superior a algunas divas anglosajonas que gozan de una fama mayor, como Meryl Streep o la recientemente ganadora al Oscar Hellen Mirren. No es que menosprecie a estas actrices, que son notables, pero ciertamente el desenvolvimiento de la Huppert frente a cámaras me parece más cinematográfico. Tanto a Streep como a Mirren las puedo imaginar en el teatro mientras actúan, a la Huppert no, a pesar de que la francesa también hace teatro. Pero además, hay un rasgo notable en la Huppert, y es que hay cierta carga intelectual en sus interpretaciones, la que no la aleja en lo absoluto de su condición plenamente cinematográfica. Se le ha llamado, sin error, como una actriz intelectual, pero esto no se debe a que escoja personajes con capacidades cognoscitivas superior al promedio, sino que hay una comprensión ciertamente intelectual que supera al esquema emocional del personaje, y que se ve reflejado en pantalla. No siempre ha pasado esto, por ejemplo con su personaje de Ella en la gran película de Cimino llamado La Puerta del Cielo, que no se presta a esa construcción "huppertiana", el cual se ha ido construyendo con los pasos de los años.

A pesar de estar muy entrada en sus 5 décadas, la Huppert es una mujer muy atractiva, a pesar de proyectar cierta frialdad y seriedad. Es una mujer muy inteligente, cosa que se puede deducir en su elección de guiones, y de su trabajo con prestigiosos directores, como Chabrol, Pialat, Godard, Haneke y otros. Además es una actriz que no tiene una concepción idealizada de su arte y, en el diálogo con el público que brindó hoy gracias al Festival de Cine de Lima que me permitió conocerla, trato de aterrizarlo en un ámbito más mundano. Para ella, los personajes que interpreta desaparecen una vez concluida la grabación y no queda vestigio de ellos en su vida personal. Esta opinión no fue aceptada por el público que quizá tenía un concepto más romántico de la actuación, por lo que se le hizo la misma pregunta hasta en tres ocasiones esperando que la francesa diga los que el público esperaba. Ella dijo al final: "Je suis très insensible", es decir "Soy muy insensible". Una grande.

Caeiro

La música de William Basinski

En estos años de música frenética, acelerada y potente es sorprendente y encomiable que haya persona que hagan una música opuesta a este patrón de ritmos desenfrenados que, muchas veces, no ofrecen más que eso. Géneros como el ambient, el drone, el doom metal, el drone doom metal, etc., son una apuesta por los tempos lentos y cansinos, que en algunos casos exige la concentración del oyente, a veces, como en el caso del drone, de paciencia. Estos géneros cuentan con un grupo de devotos oyentes que, indudablemente, son escasos.

William Basinski, músico norteamericano nacido en 1958, es uno de los representantes más eximios de este tipo de música lánguida, con temas que sobrepasan la hora de duración. Podemos afirmar que la carrera de este músico (que empezó en 1998 con la publicación del álbum Shortwavemusic) conoce pocos altibajos y que su música es una mezcla de minimalismo, ambient, drone y tape music. Entre sus influencias podemos nombrar a La Monte Young, Steve Reich y los trabajos más exigentes de Brian Eno.

De formación clásica, Basinski apuesta por la reiteración, es decir por la repetición constante de armonías que están construidas en bases sonoras mínimas. A demás, la baja calidad de definición sonora de sus trabajos aporta una atmósfera ligeramente inquietante y perturbadora, le da cierta aspereza a música que sonaría completamente sosegada y relajada.


Basinski es prolífico y en sus once años ha editado 16 discos. La obra de Basinski (que también es artista y ha realizado algunas performances) tiene como obra máxima la saga llamada The Disintegration Loops, que consta de cuatro partes, publicada cada una de ellas en un disco entre el lapso de los años 2001 y 2003. También son destacables los discos Melancholia (2005) o las dos partes de Watermusic (el primero publicado en el año 2000, el segundo en 2004). Pero no es posible ignorar ningún trabajo de su discografía, por lo que es recomendable escuchar cualquier disco de su autoría, más aún si se desconoce su obra, ya que cualquier trabajo suyo es una radiografía cabal y rotunda del tipo de música que hace.

La música de Basinski nos invita a la concentración, al reposo y la paciencia, estados que estos años acelerados han sido casi desterrados de nuestras vidas. Hay que escuchar a Basinski y sentirnos sabios mientras dure su música.

Caeiro



Discografía

1998: Shortwavemusic

2000 Watermusic

2001 The Disintegration Loops

2002 The River

2003 A Red Store in Tile

2003 The Disintegration Loops II

2003 The Disintegration Loops III

2003 The Disintegration Loops IV

2004 Watermusic II

2004 Variations: A Movement in Chrome Primitive

2004 Silent Night

2005 Melancholia

2005 The Garden of Brokennes

2006 Variations for Piano and Tape

2007 El Camino Real

2009 92982

La Nueva Caverna

Podemos afirmar, que hoy vivimos un mundo que privilegia la reproducción que la realidad misma. Es un fenómeno que, al igual que el de la posmodernidad, es alentado y propiciado por los medios de comunicación masivo. Y no por medio de una oscura y malévola conspiración empresarial para que sus negocios rindan mayores beneficios económicos; se trata en realidad de una consecuencia casi inevitable. Como dijo Vattimo, los mass media fragmentaron la realidad al transmitir un sinnúmero de discursos, las cuales a su vez adquirieron cierta legitimación al aparecer en ellos. Esto propicio el fenómeno posmoderno y dio la estocada final a los grandes discursos de antaño y el proyecto único de historia.

Podemos decir algo similar con la adoración que millones de personas profesan a la imagen, que es una reproducción muy fiel y mimética de la realidad. En nuestros tiempos, ser reproducido a través de la imagen proporciona mayor realidad, que es lo opuesto a lo que proponía Platón que decía que la idea está por encima de todo, que es esta la que tiene mayor verdad, por encima del mundo fenoménico y de su respectiva copia. Si partimos de esta premisa, podemos explicar el ansia de mucha gente de aparecer en televisión, ya sea en programas concursos, realitys, entre otros, cada vez sin menos exigencias. El público común, sin aptitudes para la música, actuación u otros era vetado en antaño. Hoy aparece sin ningún problema, muchas veces exhibiendo sin pudor su ignorancia o miserias. Como dice un dicho reciente, No importa que hablen mal o bien de mí, lo que importa es que hablen. En Sunset Boulevard, el personaje interpretado por Gloria Swanson

vive obsesionada con su imagen en la pantalla grande.

Solo la reproducción o imagen de la persona puede ser admirada por las masas ya que esta puede estar en varios lugares al mismo tiempo, esta puede manipularse y conservarse. Esto permite que la popularidad crezca rápidamente. ¿En cuantos días la inglesa Susan Boyle se hizo famosa a nivel mundial? Preguntémonos el tiempo que tomaron en ser conocidos mundialmente figuras públicas de comienzos del siglo XX, cuando los medios de comunicación masiva estaban formándose. Para bien o para mal, la televisión, el cine, la Internet, los periódicos, entre otros, nos crean imágenes dispuestas a ser adoradas por el gran público. Eso no estaría mal si es que le damos a este fenómeno un lugar secundario en nuestras vidas. Nuestro cerebro y espíritu requieren de ideas para poder sentir con plenitud la existencia humana. No debemos vivir adormecidos como esclavos en un caverna viviendo de sombras, así sea esta la esbelta figura de una actriz díscola.

Caeiro

"Meshes of the afternoon" de Maya Deren y Alexander Hammid

Este cortometraje realizado por el lejano 1943, es una de las piedras angulares del cine experimental de todos los tiempos. Y sin duda, la obra fundamental de esta corriente en Norteamérica. Maya Deren, ucraniana de nacimiento, adoptó la nacionalidad norteamericana y en este país fue que realizó su obra, la cual se hizo al margen de la gran industria de Hollywood, dado lo arriesgado y novedoso de su cine. Los futuros realizadores experimentales norteamericanos, han tenido como guía la obra de esta mujer que es considerada también como la primera realizadora independiente y underground.

Meshes of afternoon se caracteriza por romper la continuidad espacio-temporal y las leyes de causalidad para representar, sin mediación de la razón, los vericuetos de la mente humana, condicionado por las pulsiones sexuales. En síntesis, se trata de un filme surrealista, una poética de las ideas psicoanalíticas. No olvidemos que la obra se centra fundamentalmente en la experiencia femenina, por lo que se suele olvidar al otro realizador del cortometraje, Alexander Hammid, esposo de Maya Deren y que fue el que le enseñó las técnicas cinematográficas a su esposa, que ya estaba vinculada al ballet, la literatura, la antropología entre otras materias. Luego codirigiría con ella The Private life of a Cat y se dedicaría a su propia obra que incluye documentales, cortos y largometrajes los cuales están un poco eclipsados por la obra de su esposa.

Sin duda, Meshes of afternoon es uno de los hitos del cine mundial, por su gran calidad y vanguardismo. Las imágenes embriagantes creadas por la pareja Deren-Hammid, que juega con los focos, el movimiento sinuoso de la cámara, el efectivo montaje que permite la multiplicación del personaje principal interpretado por la misma Deren y la música oriental que participa en la creación del ritmo interno de las imágenes son un triunfo total y que nos lleva a pensar, que con riesgo, imaginación y talento se pueden hacer obras perdurables, sin la necesidad de ingentes cantidades de dinero. Como ya lo dijo Deren: “hago mis películas con lo que Hollywood gasta en pintalabios.” Sin duda, un camino a seguir para quienes quieren hacer un cine diferente y sin control económico de por medio.

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Animal Collective: Merriweather Post Pavilion

A pesar de que Animal Collective es considerado por un grupo de especialistas y seguidores como una de las mejores bandas del momento, la fama y prestigio de este grupo no es el que se merece. Más aún, ahora que editaron Merriweather Post Pavilion, su último disco, que de lejos es la que más repercusión ha tenido lo que ha llevado a muchos medios impresos y digitales ha preguntarse: ¿En realidad Animal Collective es una buena banda? Por supuesto que sí, y lo era desde hace tiempo, al menos desde que editaron esa obra maestra en el 2004 llamada Sung Tongs.

La duda que surge en muchos que recién escuchan a esta banda es que Animal Collective no hace una música sencilla. Es más Merriweather Post Pavilion es en realidad su obra más accesible, por lo que es probable que eso haya repercutido en su fama, pero ¿qué dirán los advenedizos cuándo escuchen las obras anteriores de este colectivo de Baltimore? ¿Qué confirmarán sus sospechas de que se trata de música para snobs, como se ha sugerido por allí?

La música no puede ser concebida para que sea digerible para todos los oídos. Un grupo tiene todo el derecho de hacer música exigente y que el público se esmere por comprenderlo. Si una persona no tiene la voluntad de hacerlo y cree que todo debe ser punk directo y potente o pop meloso y pegajoso es problema de ellos. La verdad es que Animal Collective es lo mejor que le ha pasado ha la música en los últimos años, plagados de música complaciente y sin riesgos.

El conjunto hace una suerte de pop neo-psicodélico con muchos toques experimentales, que recoge de la música atonal. Además las melodías están escondidas bajo capas casi interminables de sintetizadores que crean un contrapunto muchas veces agobiante, pero que hace de la música de este grupo inigualable y única. Además, no está de más decir, que las melodías que conciben este grupo son perfectas y maravillosas.

Como dijimos, Merriweather Post Pavilion es el trabajo más accesible de su discografía, lo que no le quita méritos en lo absoluto, es más, es probablemente su mejor obra. Todas las canciones son notables, algunass de ellas como My Girls o Brother Sport con posibilidades de ser grandes hits si no fuera por las inusuales armonías y capas sonoras que tienen. Es un trabajo que sin duda está entre lo mejor de la década y que seguirá dando que hablar por mucho tiempo. Es un disco imperdible y esencial para comprender los derroteros de la música de los próximos años.

Caeiro

Merriweather Post Pavilion

1	In the Flowers		5:22
2	My Girls		5:41
3	Also Frightened		5:14
4	Summertime Clothes		4:30
5	Daily Routine		5:46
6	Bluish		5:14
7	Guys Eyes		4:31
8	Taste		3:53
9	Lion in a Coma		4:12
10	No More Runnin		4:23
11	Brother Sport		5:59